jueves, 11 de mayo de 2017

De aquí a la eternidad (From Here to Eternity) 1953

El soldado Prewitt (Montgomery Clift) llega a su nuevo destino a un cuartel del ejército en Hawái. Además de soldado es también músico, toca la trompeta, y boxeador, pero dejó de boxear porque dejó a un contrincante ciego. Pero su nuevo capitán (Philip Ober) quiere obligarle a que participe en un combate de boxeo. Como Prewitt se niega, el capitán, ayudado por varios suboficiales también boxeadores, intentan hacerle la vida imposible, imponiéndole castigos, pero aún asi Prewitt se niega a boxear.



Recibe la comprensión del sargento Warden (Burt Lancaster) y de su amigo Angelo (Frank Sinatra). El sargento conoce a la esposa del capitán (Deborah Kerr) y mantiene una relación secreta con ella. Prewitt y Angelo van a un club nocturno donde Prewitt conoce a Lorene (Donna Reed) y se enamoran. Sin embargo Angelo se pelea con un brutal sargento de prisiones (Ernest Borgnine) y se harán enemigos. Se venga de Angelo cuando a este le meten en prisión, aplicándoles castigos y pegándole. Angelo se escapa y muere. Prewitt se venga de su amigo matando al sargento. Mientras está escondido, los japoneses atacan el cuartel y Prewitt desea volver para luchar.

Drama clásico con el transfondo del ataque japonés a Pearl Harbor, ataque que daría comienzo a la entrada de EE.UU., en la Segunda Guerra Mundial. Dirige Fred Zinnemann [Solo ante el peligro (1952), Chacal (1973)] es un drama excelente, con personajes de complicadas relaciones sentimentales: el capitán es un adúltero que engaña a su mujer; su mujer mantiene un romance con el sargento pero antes mantuvo relaciones con más hombres; los dos soldados son habituales de ese club nocturno para caballeros. El reparto está excelente. Hay también algunos secundarios conocidos, como Robert J. Wilke, uno de los forajidos en la mencionada Solo ante el peligro; Claude Akins, que fue muy popular años después por una serie de televisión de camioneros llamada 'En ruta' (1974–1976), además de por películas como 'La conquista del planeta de los simios' (1973) entre muchas más.



La película recibió ocho Oscar, uno de ellos fue para Frank Sinatra (1). De todos es conocido que Frank Sinatra era cantante antes que actor. Pero es habitual que las estrellas a ese nivel sean caprichosas y Sinatra quería triunfar también como actor. Era buen actor, pero de la media, y nunca he pensado que por su trabajo en esta película hubiera merecido ganarse el Oscar. Tanto Clift como Lancaster están a un nivel interpretativo superior pues eran mejores actores que Sinatra, el cual su papel es meramente secundario, menos dramático y menos importante que el de los demás, y cuando tiene algo de importancia el drama dura apenas unos segundos, cuando muere, que es precisamente la única nota discordante de esta película, su imprevista aparición ante sus dos amigos al huir de la cárcel, como un porque sí, da la impresión de que como es Sinatra, hay que hacerlo así, para que se note más, y basta morirte en pantalla para que te den un Oscar (2).



Afortunadamente 'De aquí a la eternidad' es excelente y ni siquiera Sinatra lo estropea. Montgomery Clift aún no había tenido el terrible accidente de automóvil que tendría años después que le produjo una parálisis facial que le impedía actuar bien, además de aumentar aún más la inestabilidad emocional de este gran actor, de vida desordenada, drogadicto y que ocultaba y llevaba como una lacra su homosexualidad. Hace un gran trabajo, tanto como Burt Lancaster, ese sargento que todo soldado querría tener. Deborah Kerr está muy guapa y convincente. Duración aproximada: 118 minutos.


Notas:
(1): aunque esta vez sin ganarlo, Sinatra recibió una nominación a los Oscar por su papel de heroinómano en 'El hombre del brazo de oro' (1955). Actor en muchas películas más, quizás las más destacables son los musicales 'Levando anclas' (1945) y 'Un día en Nueva York' (1949), también dirigió, y protagonizó, una película bélica, 'Todos eran valientes' (1965).
(2): Sinatra y sus amigos, el famoso "Rat Pack" de los años 60, compuesto, además de por Frank Sinatra, básicamente por Dean Martin, Sammy Davis Jr., o Peter Lawford, fueron el centro de un biopic para televisión dirigido por Rob Cohen basado en la vida del cantante, interpretado por Ray Liotta como Frank Sinatra, 'El clan Sinatra' (1998), donde se retrata de forma horrible la figura de Sinatra, conocido por todos sus relaciones con la mafia, y patético sus acompañantes del "Rat Pack", meras comparsas en torno a la figura de un engreído y caprichoso Sinatra con ínfulas de poder megalomaníaco. Queda algo horrible también la representación de los hermanos Kennedy, esos tan admirados, los niños ricos que juegan con el lado oscuro, amigos de conveniencia de esta gente. Es la miseria de los famosos que muchas veces no vemos, o no queremos ver.

El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai) 1957

Soldados ingleses están prisioneros en un brutal campo de concentración japonés, dirigido por el implacable coronel Saito (Sessue Hayakawa). El coronel quiere que los prisioneros construyan un puente. El y el coronel Nicholson (Alec Guinness) mantendrán una pugna por principios enfrentados. Un día se escapa del campo un prisionero norteamericano (William Holden), al que obligarán a volver para destruir ese puente.

Joya bélica del inglés David Lean premiada con siete oscares, adaptación de la novela de Pierre Boulle [autor también de El planeta de los simios], basada en un caso real, aunque la película tiene tantas diferencias con la novela que Boulle no estuvo satisfecho con el resultado. No obstante, como obra cinematográfica es una logradísima e imprescindible del cine bélico, y fue una coproducción británico japonés y Tailandia, enmarcada en la selvas de este último. Característica la lograda banda sonora, fue también la primera que mostraba la brutalidad que existía en los campos de prisioneros japoneses de la Segunda Guerra Mundial. Los japoneses despreciaban a los soldados que se rendían porque según su mentalidad era mejor morir que caer prisioneros. Esto no excusa en absoluto la actitud del frío e implacable coronel Saito, a todas luces un déspota de tendencias asesinas. Frente a él, un estirado oficial británico interpretado por Alec Guinness, que recibió uno de los oscares por su papel, y es un oficial con un código de honor quizás anticuado, de tan recto que termina siendo ridículo y dificil de explicarse. Hace un logrado trabajo que alcanza dimensiones sentimentales de mérito, al ver ese hombre defendiendo sus principios de semejante manera.
William Holden, otro gran actor clásico, hace uno de su mejores papeles aquí, un prisionero al cual logra darle la dureza propia de un soldado de su estilo. Duración aproximada: 161 minutos.

Banderas de nuestros padres (Flags of Our Fathers) 2006

Durante la batalla de Iwo Jima, un grupo de marines norteamericanos levantan la bandera de EE.UU., en el suelo conquistado. La foto que se hace del momento se hace tan famosa que el gobierno invita a los marines sobrevivientes a una gira por EE.UU., para que la gente compre bonos de guerra que permitan terminar la guerra contra japón.

Basada en la novela de James Bradley y Ron Powers, emotiva reconstrucción de los acontecimientos sucedidos durante y después de la batalla de Iwo Jima, una de las islas de Japón que los marines norteamericanos conquistaron para derrotar a los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico. Dirige el célebre actor Clint Eastwood, con la habilidad propia que tiene en esta su otra faceta de director. La batalla es espectacular, muy bien recreada, con la técnica realista de recreación de batallas (de la Segunda Guerra Mundial) que surgió básicamente del molde creado por 'Salvar al soldado Ryan' (1998) de Steven Spielberg, de tan realista que dolía, y en esta ocasión el realismo sigue presente y por momentos deja boquiabierto. Uno de los requisitos para ello es que te tiene que gustar el cine bélico, claro está.

Junto a las escenas de la batalla, vemos de forma paralela la odisea, realmente se nos muestra así, que tuvieron que pasar los tres soldados sobrevivientes durante su gira por EE.UU., por cierto en una recreación de la sociedad civil de la época, los grandes estadios de la gira, los edificios, los trajes, los automóviles, que parece perfecta. Se deja claro la verdadera historia de la bandera: fueron dos izados. El primero surgió espontáneamente por un grupo de soldados. Luego, un político quiso la bandera para sí, la quitaron, y volvieron a izar otra, esta vez por un grupo de soldados diferentes. Este segundo izado con otra bandera es la foto que quedó como oficial. Los izados se hicieron a los cinco días de iniciarse la lucha, y la batalla duró unos 30 días más, donde murieron la mayoría de los protagonistas de los dos izados de la bandera. La película lo dice claramente pero tampoco es que se ocultase nada, los mismos soldados contaban claramente como fue. Con esta base de la bandera se cuenta realmente lo importante, la vida de los soldados que lucharon, vivieron o murieron en la batalla de Iwo Jima, conquista que fue clave para ir derrotando a Japón poco a poco aunque al final la solución fue tirar las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki.
De los tres soldados supervientes del izado, uno de ellos es indio, un excelente Adam Beach (1). Soldado que comprende que no vale para nada que luchase por su país, porque en su país las cosas no cambian y a pesar de las falsas apariencias, siempre será un "piel roja" para los blancos. De los tres es el que seguiría siendo algo más popular, pero no le sirvió de nada en su vida. De personalidad traumatizada por la guerra, caía fácilmente en el estigma de su tribu, el alcohol. Jesse Bradford y el enfermero Ryan Phillippe son los otros dos a los cuales la fama les complica la existencia más que favorecerles, y a ninguno les sirvió de nada la experiencia. Es chocante comprender cómo una foto, convertida en un icono gráfico de la guerra, pueda hacer olvidar la faceta humana de aquellos que la izaron, y en vez de descubrir un mundo "perfecto" queda la realidad pura y dura: los intereses mediáticos del poder frente a las acciones y la memoria de los que dieron su vida por la libertad. Eastwood muestra la realidad tal como es, de forma objetiva, y que cada cual saque sus conclusiones.
Junto a 'Bandera de nuestros padres', Clint Eastwood dirigió también ese mismo año 'Cartas desde Iwo Jima', pero esta vez narrando el lado japonés de la batalla y rodada en japonés.

Duración aproximada: 135 minutos.

Nota (1): cara conocida también gracias a su trabajo de detective de policía en la serie de televisión Ley y orden: Unidad de víctimas especiales, temporadas 8 y 9. En cuanto a los dos siguientes, Jesse Bradford salió en aquella de terror juvenil donde un asesino se dedicaba a matar vírgenes, 'Cherry Falls' (2000), y su compañero de batalla Ryan Phillippe en 'Sé lo que hicisteis el último verano' (1997), o protagonizando la de niños ricos 'Crueles intenciones' (1999) junto a Sarah Michelle Gellar, la cazavampiros de la serie Buffy, cazavampiros (1997–2003) y que en esa ocasión era una pérfida niña rica de "crueles intenciones".

Playa roja (Beach Red) 1967

Durante la Segunda Guerra Mundial, los marines desembarcan en una isla del pacífico ocupada por los japoneses. Los enfrentamientos son constantes lo que pondrá a prueba la resistencia de los soldados.

Producción bélica muy lograda, con un fuerte caracter psicológico, las escenas de batalla están muy bien hechas, parece a veces un documental. Hay que recordar que gracias a esta gente en el pacífico pudieron vivir tranquilos y en Europa, la mitad libre, también. Dirige Cornel Wilde que a la vez la protagoniza. Nacido en Hungría, fue Aladino en 'Aladino y la lampara maravillosa' (1945), de Alfred E. Green para Columbia. Dirigió Contaminación (1970) ciencia ficción sobre un virus que ya no parece tanta ciencia ficción y 'El tesoro de los tiburones' (1975). Por esa época Wilde estaba casado con Jean Wallace, que aquí es también su mujer en la ficción y saldría en las películas de su marido. Uno de los soldados, el comilón traga alubias llamado Egan (Burr DeBenning), en 1977 se las vería con un astronauta mutante en Viscosidad (1977) y en 1989 saldría en 'Pesadilla en Elm Street 5'. Actor versátil que se movía por todos los géneros.
Rip Torn, secuestrador de una niña en el thriller Un extraño está mirando (1982), de Sean S. Cunningham, es el duro sargento. En la época en que se hizo EE.UU. ya estaba incurso en la guerra del Vietnam, en una guerra en un marco parecido pero tan diferente. No tuvo mucho éxito precisamente porque la guerra del Vietnam estaba en su apogeo diariamente desde la televisión en los hogares norteamericanos (War and American Popular Culture: A Historical Encyclopedia de M. Paul Holsinger). Tiene cierto alegato antibelicista, el pesimismo y el desánimo de la lucha y el miedo a morir.
Playa roja (Beach Red) 1967. Director: Cornel Wilde. Intérpretes: Cornel Wilde (Capt. MacDonald / Narrator), Rip Torn (Sergeant Honeywell), Burr DeBenning (Egan), Patrick Wolfe (Cliff) . Duración aproximada: 105 minutos.

Superdetective en Hollywood (Beverly Hills Cop) 1984

El detective de Detroit Axel Foley (Eddie Murphy) acude a Beverly Hills a investigar la muerte de su amigo, un delincuente de poca monta llamado Mikey Tandino (James Russo) que ha sido asesinado en Detroit, y las pistas le llevan hasta la privilegiada zona de Los Angeles. Allí le informa del fallecimiento a su amiga Jenny Summers (Lisa Eilbacher), e investigará a su manera poco ortodoxa, descubriendo una organización de tráfico de cocaína. A pesar de las desconfianzas iniciales, el detective Billy Rosewood (Judge Reinhold) y el sargento Taggart (John Ashton) le ayudan en su investigación, además de Jenny.


Superdetective en Hollywood: Eddie Murphy

Gran éxito de Martin Brest protagonizado por el cómico Eddie Murphy, que se hiciera famoso en EE.UU., durante los primeros años 80 gracias al mítico programa de televisión Saturday Night Live donde muchos cómicos comenzaron su carrera (1). Con esta película Eddie Murphy logró otro éxito más en su carrera, la cual hasta el momento sigue siendo de gran éxito popular, y no sólo en la comunidad negra de EE.UU. A pesar de que parece que su egolatría puede entrar en riesgo de perjudicarle por saturación de su persona en una misma película, ya que le gusta interpretar a todo personaje que pueda, en cambio no parece que sea un impedimento para triunfar. Lo corroboran la agradable y lograda comedia romántica 'El príncipe de Zamunda' (1988) donde además del príncipe protagonista que acude a Nueva York para buscarse novia, da vida a otros secundarios en un exceso de ego de este actor; ocurre lo mismo en 'El profesor chiflado' (1996) un remake "a color" (perdón por la broma) de la que protagonizó y dirigió Jerry Lewis en 1963, una locura camaleónica eddie murphyana; o en 'Norbit' (2007), que está más comedido en su papel de camaleón humano aunque con el personaje femenino ocupa el sitio de tres personajes al menos, es una comedia de excesos que increíblemente funciona muy bien (2).
Eddie Murphy también tiene buenas películas de acción, la que fue su debut 'Límite: 48 horas' (1982) de Walter Hill junto a Nick Nolte, y su continuación '48 horas más' (1990), lo corroboran. En 'Superdetective en Hollywood', título en español algo ridículo aunque funciona, sigue haciendo de policía, y a pesar de ser un actor cómico sabe también actuar con seriedad. Hay buenas dosis de acción, sus dos compañeros dan el contrapunto serio necesario para formar un trío de personajes con chispa y carisma, y seguramente sea lo más famoso que hayan hecho esos dos actores. La película es muy entretenida y además con Lisa Eilbacher, guapa y excelente actriz. En este caso, ella, Foley y el muerto eran amigos desde la infancia, y Jenny, que rige una galería de arte, está sin saberlo relacionada con el responsable de la muerte de su amigo. Relación de personajes de guión que funciona para lograr una comedia de detectives clásica de una época. La música AOR rockera fue todo un hit. Muchas películas de detectives pretenden fusionar la comedia y el misterio pero no entendieron lo que esta pretendía ni como lo hizo. Sin duda, no es una película que pertenezca al multiuniverso fílmico de pareja de policías contrapuestos. Algo que sí hizo Eddie Murphy en las dos de 48 horas.


Superdetective en Hollywood II: John Ashton, Eddie Murphy y Judge Reinhold

Antes de hacer la continuación de rigor, 'Superdetective en Hollywood II' (1987), esta vez dirigida por Tony Scott (hermano del también director, y generalmente brillante, Ridley Scott, "el de" Alien claro) Eddie Murphy protagonizó la divertida comedia fantástica El chico de oro (1986), de Michael Ritchie, donde sigue siendo un simpático personaje, intentando rescatar a un niño dalai lama con poderes mágicos de las manos de una organización liderada por un diablo de Satanás, brillante Charles Dance. Película a redescubrir. En 'Superdetective en Hollywood II' una banda armada asesina y roba y deja mensajes con letras del alfabeto. Matan al capitán Andrew Bogomil (Ronny Cox), amigo de Foley, y este vuelve a Beverly Hills para saber qué ha ocurrido. De nuevo investigará con su dos camaradas, Reinhold y Ashton, para parar una peligrosa red de delincuencia. Destaca por razones obvias, aunque no sólo por su altura y presencia, sino porque además hace un buen trabajo y logra crear un verosímil personaje cruel, la rubia Brigitte Nielsen, cara muy popular en esta década (3).
En 'Superdetective en Hollywood III' (1994), de John Landis, por ahora última de la saga, Eddie Murphy es de nuevo Axel Foley que prepara una redada contra unos ladrones de coches, y se organiza una violenta refriega de disparos donde muere su jefe (Gilbert R. Hill). Las pistas dejadas por los asesinos en la nave de coches robados le llevan a Los Angeles y al parque de atracciones "Wonderworld", donde parece que hay una red de falsificadores de dinero. Desaparece el actor John Ashton como camarada amigo para dar paso al actor Héctor Elizondo, pero permanece Judge Reinhold, esta vez ascendido a Sargento. En fin, cuesta, no puede quedar como favorita, a bastante diferencia de las dos anteriores, no tiene esa chispa y situar la acción en un parque de atracciones me parece superficial, por no decir estúpido. Muchas veces parece una película de la marca Eddie Murphy más que una continuación lograda de las dos anteriores, en absoluto lo es, y aunque tiene una escena de acción impresionante, lo demás es menor.


Superdetective en Hollywood III: Timothy Carhart y Eddie Murphy

El siguiente trabajo de Martin Brest tras 'Superdetective en Hollywood' sería la lograda comedia 'Huida a medianoche' (1988) con Robert De Niro y Charles Grodin, uno como un policía y el otro un delincuente. Brest es un ejemplo de que a veces menos es más, ha dirigido pocas películas (es también guionista o actor) pero con grandes éxitos, el mayor ejemplo 'Esencia de mujer' (1992) con Al Pacino haciendo de ciego y que ganó un Oscar. La carrera de Eddie Murphy sigue imparable, con altibajos y tal (4), pero a pesar de sus detractores que los tiene, ya sea por su ego o por ser uno de los actores de color con dinero más importantes de Hollywood, sigue haciendo películas y siendo fiel a sí mismo. En 1999, el director Frank Oz hizo una de las mejores películas de cine dentro del cine, esta vez cine de serie B en la bizarra y estrambótica 'Bowfinger, el pícaro' (1999) con Steve Martin y Eddie Murphy, que hace uno de los personajes más graciosos y ocurrentes de su carrera: un pobre tipo sin muchas luces que parece el gemelo de un actor famoso (el mismo Murphy por supuesto) al cual ponen en una película de ciencia ficción, rodeado de un equipo de auténticos desastres, con el director (Steve Martin) a la cabeza. Divertidísima.
Duración aproximada: 105 minutos.

Notas:
(1) Entre ellos Chevy Chase, o los "cazafantasmas" Bill Murray y Dan Aykroyd.
(2) En el año 2000 se estrenó 'Esta abuela es un peligro' de Raja Gosnell, con el cómico de color Martin Lawrence dando vida a un agente del FBI que se disfraza de abuela para capturar a un delincuente, a la que le siguió una segunda parte en 2006 y otra en 2011 que conforman lo que a todas luces es una trilogía. En la de Eddie Murphy 'Norbit', aunque no tiene ninguna semejanza con las de Lawrence y por lo tanto no parecen tener ninguna relación entre sí, también hay una mujer negra con sobrepeso, a diferencia de aquella una joven casquivana y con muy mala leche, y quizás 'Norbit' retomó la idea de mujer con sobrepeso y con caracter, como esa abuela, pero exagerándolo aún más.
(3) De origen danés, Brigitte Nielsen fue Red Sonja en 'El guerrero rojo' (1985) de Richard Fleischer, que forma parte del grupo de dos películas de Conan protagonizado por Arnold Schwarzenegger para el cine, 'Conan, el bárbaro' (1982) de John Milius, y 'Conan, el destructor' (1984) de Richard Fleischer. Por este tiempo la escultural rubia saltó a la fama de los tabloides cuando se casó con el forzudo y mega estrella Sylvester Stallone. El matrimonio no funcionó y surgió el divorcio, Stallone declaró que se dió cuenta de que Nielsen sólo lo utilizó para hacerse famosa. Parece que le funcionó y aprovechó su presencia en Hollywood. Con Stallone estuvo en la violenta, y excelente película de acción, 'Cobra, el brazo fuerte de la ley' (1986) de George P. Cosmatos adaptando la novela de Paula Gosling; y en 'Rocky IV' (1985), dirigida por el mismo Stallone, la más patriotera de todas las entregas de Rocky, con este enfrentándose a un forzudo "ruso", el actor Dolph Lundgren (en realidad Dolph Lundgren es sueco).
(4) Uno de esos altibajos de Eddie Murphy fue precisamente la que hizo tras 'Superdetective en Hollywood III', la vampírica 'Un vampiro suelto en Brooklyn' (1995) de Wes Craven, película comica/seria donde Eddie Murphy interpreta a un vampiro, y cómo no, a otros personajes más, pero que sufre el lastre de su fama de cómico. La verdad que no funciona. A Wes Craven y Eddie Murphy les ocurrió lo mismo que le ocurrió a John Carpenter con Chevy Chase, cómico que hacía de hombre invisible en 'Memorias de un hombre invisible' (1992), que tampoco funcionó. No hay quien soporte a Chevy Chase de hombre invisible, ni a Eddie Murphy, que tiene más registros interpretativos que Chase, como un vampiro.

César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra) 1945

Julio César (Claude Rains) llega con sus tropas a Egipto, donde conoce a una joven Cleopatra (Vivien Leigh). Con sus enseñanzas Cleopatra se convertirá en adulta y reina de Egipto.



Producción británica adaptación de la obra de teatro de George Bernard Shaw. Nada más comenzar advertimos que hay algo diferente en la forma de contar la historia de los famosos personajes y empezamos a pensar que es una versión cómica de la historia de César y Cleopatra, pero es una sensación engañosa de lo que vemos. Aunque lógicamente la comedia existe, la película tiene dos momentos que se pueden diferenciar: el primero transcurre cuando Cleopatra es una niña ingenua e inculta que piensa que los romanos se la van a comer, un sentido de humor que más bien es sátira, pero también influye que estemos acostumbrados a la solemnidad propia de la historia de amor entre César y Cleopatra, historia de amor que por cierto en esta paródica versión es inexistente.

Este componente más frívolo es el característico en toda la película pero se rebaja su intensidad de forma bastante clara cuando Cleopatra ha madurado como persona y aprendido un poco de cultura, y vemos ya sombras de pensamiento y acciones (como el asesinato de Pothinus) más propios de una historia real como esta. En realidad la película nos va transformando el pensamiento y cuando creemos que lo que vemos es una tontería y que ya está bien, nos apacigua los ánimos la madurez de comportamientos y diálogos, nuestra Cleopatra se muestra merecedora de su reino para alivio de todos. Ciertas imágenes son como de sueño, la aparición de Cleopatra en los brazos de La Esfinge, esa noche estrellada sobre las dunas del desierto, un canto elegíaco a la libertad en la naturaleza, a la naturalidad del bello animal humano, de Palacio oscuro y tenebroso que recibe la luz del poder real, Cleopatra, en el paso de la niñez a la madurez como persona y gobernante como nadie lo había hecho antes, ni después, aseguraría.
A diferencia de la versión más conocida de Cesar y Cleopatra, la de Joseph L. Mankiewicz, con Elizabeth Taylor como la reina, de gran solemnidad, aquí esa solemnidad es inexistente, lo que la hace algo más cercana al que la ve, porque muestra a los personajes actuando de una forma menos formal a la que nos tiene acostumbrados el cine cuando nos muestran relaciones entre gobernantes en producciones serias, como esta, porque al fin y al cabo esta también lo es pero con la vertiente especial comentada. Y entonces descubrimos que nos encanta tal como es.



Vivien Leigh es Cleopatra, haciendo un gran trabajo, como niña ingenua a adulta madura, sin perder su ingenuidad, y con la belleza tan extraordinaria de esta mujer. Aquí hay planos bellísimos con esta mujer de protagonista. Aunque su papel más famoso fue el de Escarlata O'Hara en la oscarizada 'Lo que el viento se llevó' (1939), en un papel que parecía hecho para ella, era una gran actriz tanto de teatro como de cine, esposa además de otro gran actor inglés, Laurence Olivier. A Leigh le acompaña otro gran inglés, Claude Rains, el otrora hombre invisible en la versión de Universal de 1933, aquí es el mismo Julio César haciendo otro gran trabajo, quitándole altivez al personaje para mostrarlo algo más campechano, pero manteniendo la dignidad y el donaire.
Junto a ellos otras caras conocidas como la de Flora Robson, que interpretó varias veces a la reina Isabel I de Inglaterra en producciones históricas, aquí es la criada personal de Cleopatra que tiene un nombre que es objeto de burla durante toda la película y el que nos retrotae casi siempre al sentido del humor de la misma. Ernest Thesiger, el chiflado y genial doctor Pretorious de La novia de Frankenstein (1935) de James Whale para Universal, es un egipcio apasionado de los libros. El technicolor tan magnífico de la producción es también un punto a su favor. El director Gabriel Pascal, que sólo hizo dos películas en su vida y las dos fueron adaptaciones de obras de teatro de Bernard Shaw, esta que comentamos y 'Major Barbara' (1941), es también el productor y dirige de forma satisfactoria.
Duración aproximada: 138 minutos.

Cleopatra (1963)

Julio Cesar llega a Egipto y conoce a la reina Cleopatra, con la cual se casa y tiene un hijo. En Roma se produce un escándalo, además de que Julio Cesar ya estaba casado quiere ser nombrado Emperador. Por ello lo asesinan. Cleopatra vuelve a Egipto y se declara un triunvirato. Uno de los triunviros es Marco Antonio, gran amigo de César, que caerá en los brazos de Cleopatra, y se hará enemigo de Roma.

Gran clásico hollywoodiense de manos de Joseph L. Mankiewicz, rodada con gran espectacularidad en los decorados, atrezzos y algunas coreografías imposibles que se ven, y puede que estas últimas sea lo más prescindible de la historia, porque en el fondo la historia sigue parámetros de teatro clásico, hay monólogos y diálogos solemnes de gran introspección personal que básicamente se circunscriben a la leyenda de Cleopatra y su imperio, sin más, pero que le aporta cierta profundidad poética. El reparto cumple de sobra, entre ellos Elizabeth Taylor y Richard Burton, que se conocieron en este rodaje y en la vida real tuvieron una tormentosa relación sentimental que duraría años, aquí son la famosa pareja Cleopatra y Marco Antonio. Esta Cleopatra interpretada por Taylor quizás sea la más icónica de todas las llevadas al cine. Rex Harrison como Julio Cesar, Martin Landau como Rufio y Roddy McDowall como Octavio, completan, entre otros, un gran clásico "de romanos". Las luchas están bien escenificadas, así como los secundarios dan el tipo. La duración de la película varía, se recomienda claro está la de mayor duración (pero aún así no se ha encontrado todo el metraje que se rodó) para que no falte ningún detalle. Esto es subjetivo: hay gente que tiene una imagen de esta película según la hubiera visto en versión reducida, que fue como se estrenó, y puede que no le guste verla en su integridad por aquello de la nostalgia y el apego a unas imágenes conocidas, pero sin duda la versión completa es la más idónea, además porque la mejora muchísimo.

No fue la primera vez que Richard Burton tuvo que actuar de romano: anteriormente en la religiosa 'La túnica sagrada' (1953) de Henry Koster, era un tribuno romano que "encuentra" a Cristo y se hace cristiano, espectáculo religioso al estilo Hollywood aunque de menos pirotecnia como por ejemplo sería la ciclópea 'Los Diez mandamientos' (1956) de Cecil B. DeMille, y también menos cursi que esta última; fue luego el macedonio 'Alejandro Magno' (1956) de Robert Rossen en una gran reconstrucción clásica de la vida del conquistador, y donde también estaba Peter Cushing.
Duración aproximada: 192 minutos | 233 minutos (TV) | 320 minutos (director's cut).

Faraón (Faraon) 1966

El heredero al trono de Egipto, Ramses XIII, tiene un hijo con una hebrea. Ramses está en contra de los sacerdotes de su reino, que han planeado, sin el conocimiento de Ramses, hacer de su hijo Rey de Israel cuando sea mayor. Pero Ramses tiene una amante, Kama, una sacerdotisa de Astarté, y cuando las tribus libias se rebelan y las tropas de Ramses los derrota, se entera de que su mujer Sara y su hijo Isaac han sido asesinados por su doble, Lycon, que es también el amante de Kama. En ese momento su padre el faraón muere y Ramses XIII es nombrado Faraón. Lo primero que intentará hacer será eliminar al Sumo sacerdote, que tiene un inmenso tesoro oculto en el templo para cuando ocurra una crisis en el reino del Faraón.



Impresionante producción polaca, dirigida por Jerzy Kawalerowicz, con una recreación del antiguo mundo egipcio que puede dejar sin palabras. Hay una escena de una batalla entre los egipcios y el ejército rebelde libio que es una de las cosas más impresionantes que este que escribe ha visto, sin espectacularidad, sino sobriedad, y en la mayoría en primera persona, la batalla en sí dura apenas unos segundos pero no le hace falta más, "un día de playa" algo agitado. La película intenta mostrar no sólo el mundo exterior, sino también translucir, en la medida de lo posible, el interior humano, el transfondo y el sentido de las cosas en el mundo egipcio, la sobriedad en las actuaciones y la solemnidad muestran el pensamiento antiguo en la corte del faraón. Las poses hieráticas del faraón, que parece una estatua con vida, la solemnidad tanto en los gestos y en las ceremonias como en los diálogos, grandilocuentes, cargados de alabanzas, te sumerge en ese mundo tan antiguo haciéndolo sorprendentemente vivo.
Debido a la fastuosidad de joyas y tesoros que la arqueología egipcia ha ido aportando al mundo y que llenan los museos, nos puede hacer olvidar que el mundo en que que se movían estos seres era el desierto, bajo el tórrido sol, un mundo de arena y polvo, y esta película destruye de forma drástica, desde la primera visión, cualquier posible idealización que se nos pase por la cabeza al pensar en faraones, porque si lujosas eran las producciones Hollywoodienses más clásicas (Cleopatra, de Mankiewicz, por ejemplo) austera es esta de Jerzy Kawalerowicz, seca, sobria, consigue una gran impresión de realismo, la vida diaria de aquel fantástico y extraño pueblo (o por lo menos del sector que vemos, el de la corte y la milicia) se nos asemeja que debió de ser así.



Los caracteres de los personajes están muy conseguidos y construidos, las interpretaciones son excelentes, además son todos polacos y parecen tan egipcios como los egipcios mismos, algunos ni hablan pero se ve cómo actuan (hay un golpe a traición que sorprende, de nuevo, por su crudeza y realismo) y sin necesidad de explicar nada ya sabemos cómo se manejaban las cosas por aquel entonces, en realidad tal como hoy en día, las traiciones y conspiraciones, la lucha por el poder o las puñaladas traperas se dan igual, cambian los medios, no las formas, da igual en lo que crean, si en Osiris o en Jesucristo, el mundo sigue actuando igual de mal, así que uno lleva a preguntarse ¿para qué las religiones?. Sólo dan problemas. Cuando un Rey ha querido hacer algo siempre aparece un sacerdote que le mete el miedo en el cuerpo y lo deja sin saber que hacer.
Vemos que los motivos de disputas entre estos egipcios es lo de siempre: los dos bandos, el laico y el espiritual quieren gobernar. La defensa del poder laico son las armas, pero la defensa de los sacerdotes es el miedo: el sumo sacerdote aprovecha incluso los fenómenos naturales, como un oportuno eclipse, para hacer creer al pueblo que lo ha originado Dios (en este caso Osiris) y así seguir en su puesto. La película deja claro que los sacerdotes usaban trucos para engañar a la gente, aunque en este caso se produce un eclipse real, solo que el sacerdote ha aprovechado la situación en su beneficio (1). Cuando no funciona el miedo, entonces los sacerdotes también recurren a las armas, o a la traición. No hay mucha diferencia con el poder religioso que vendría después, la religión de "la paz y el amor" se ha construido y mantenido a base de crímenes de lesa majestad, más que esas religiones paganas que ellos atacaron y destruyeron. Religiones paganas que si algo no tenían era hipócresía o intolerancia, quizás por ello fueron destruidas ante la intolerancia manifiesta "del amor". Les debió confundir. (2)


Faraón (Faraon) 1966. Director: Jerzy Kawalerowicz. Intérpretes: Jerzy Zelnik (Ramses XIII/Lycon), Wieslawa Mazurkiewicz (Nikotris - Ramses XII's Wife), Barbara Brylska (Kama - Priestess of Astharte), Krystyna Mikolajewska (Sarah), Ewa Krzyzewska (Hebron). Duración aproximada: 180 minutos.


Nota:
(1) Según la conocida historia de la Biblia cristiana, Moisés, cuando estuvo delante del Faraón hizo lo mismo, aprovechar un fenómeno natural: amenazó con las diez famosas plagas de Egipto, pero el Faraón se dio cuenta de que sólo eran fenómenos naturales muy comúnes en su país (eran comúnes las plagas de langostas, o que el Nilo se tiñese de rojo debido a ciertas plantas cercanas a la orilla que teñían las aguas de color rojo) y no se inquietó más de lo habitual ante unas plagas y unos hechos naturales. El cuento de Moisés no cuajó, pero sin embargo la muerte de los primogénitos de Egipto, sí, está comprobado históricamente que sucedió, y causó tal consternación que fue cuando dejaron salir a Moisés y su gente de Egipto. El por qué y cómo murieron los primogénitos (al fin y al cabo inocentes que no tenían culpa de nada) es algo que no se sabe, habrá teorías pero no hay ninguna certeza. Es de esos misterios que estoy convencido alguien ocultó, con tanta suerte que ya nadie puede saberlo. Quizás fuese una indigestión o agua envenenada, será por teorías. Hay que señalar que los pobres judíos no tuvieron la culpa del ensañamiento criminal cristiano contra el ser humano, contra la vida y contra la humanidad que a lo largo de la historia han demostrado los seguidores de la religión de la "paz y el amor". Este ejemplo de las plagas es sólamente una muestra de que Moisés era un poco tunante, y como tipo despierto y espabilado que era, supo aprovechar las circunstancias, lo que no es reprobable de ninguna manera. Lo de los primogénitos ya es discutible, pero no se sabe como ocurrió.
(2) Aunque al principio el cristianismo pudo merecer la pena se echó a perder a partir de la primera Cruzada, convocada por el papa Urbano II para reconquistar Tierra Santa. Antes de ella los cristianos pensaban en general que la guerra era mala y no entendían muy bien por qué debían luchar y matar a otras personas. Hubo muchos problemas de conciencia por tener que matar a otro ser humano cuando Dios decía "no matarás". Aunque las Cruzadas sean uno de los temas que me apasionan, no deja de ser una flagrante contradicción del mensaje de paz y amor al prójimo, lo que demuestra que una cosa es la teoría, que suele quedar en los libros, para alimentar el espíritu, y otra la práctica, y una vez abierta la veda del matar por Dios ya el cristianismo se perdió definitívamente.







La caída del imperio romano (The Fall of the Roman Empire) 1964

El emperador Marco Aurelio (Alec Guinness) está en una fortificación de frontera luchando contra los bárbaros. Livio (Stephen Boyd) llega a la fortificación y Marco Aurelio le comunica que será el nuevo emperador, en prejuicio del hijo de Marco Aurelio, Cómmodo (Christopher Plummer). Cuando este llega a la frontera y Livio le dice lo que su padre le ha dicho, le deja sin palabras. Livio además está enamorado de la hija del emperador, Lucila (Sophia Loren), y esta le corresponde.


Cómmodo y Livio derrotan a las fuerzas bárbaras lideradas por Ballomar (John Ireland) y el liberto del emperador, Timonides (James Mason), logra que se unan a los romanos como iguales. Cuando Marco Aurelio muere, Cómmodo se hace emperador. Una vez en Roma, Cómmodo dilapida el dinero del tesoro público en luchas de gladiadores para el pueblo, mientras el Oriente se subleva por el trato despótico del emperador.

Una buena de romanos dirigida por Anthony Mann, es una gran película pero con muchas libertades históricas ya que lo que vemos nunca pasó, sólo quedan los personajes reales. En realidad, Livio puede ser Lucio Vero, hermano de Marco Aurelio, que estaba casado con Lucila, y Cómmodo era hijo de Marco Aurelio aunque en la película se diga que fue un hijo de gladiador, porque la película recoge el rumor que había en la época romana de que Cómmodo era en realidad hijo de un gladiador (en la película a este gladiador le da vida el buen actor Anthony Quay). En la película, Livio (o lease Lucio Vero) no está casado con Lucila pero la pretende, en cambio esta se casa con el rey armenio de turno (Omar Sharif) y Cómmodo se dedica a pelear con gladiadores, afición que parece sí tenía (y de ahí a relacionarlo con ser hijo de gladiador sólo hay un paso). En la realidad Lucio Vero (si es que este Livio es en realidad personificación de Lucio Vero) muere mucho antes que Marco Aurelio y desde luego no lucha con Cómmodo en esa pelea a muerte final. Incluso la muerte de Cómmodo no fue como aquí, luchando como un gladiador, ya que fue estrangulado mientras se bañaba por un gladiador, por petición de su concubina y otros cortesanos, ya que, si sirve de excusa, Cómmodo pensaba matarlos a ellos, si es que estos romanos... (1)

Es al fin y al cabo Hollywood, pero la relación entre personajes, esos paisajes nevados en tierra bárbara, la fortificación tan realista y luego una impecable reconstrucción de Roma con unos decorados, decorados reales que dan mucha más sensación de realismo, que dejan boquiabierto, la hacen una gran película. 'Gladiator' (2000), de Ridley Scott, es una especie de remake de esta película, ya que comienza igual, en la frontera bárbara, incluso hay la lucha contra los bárbaros (que en Gladiator es mucho más espectacular) y la relación amorosa entre Maximus (Russell Crowe) y Lucila (Connie Nielsen) se mantiene igual, con Cómmodo (Joaquin Phoenix) aislado y odiado por todos como oveja negra que es.
Creo, porque no soy historiador, que todos los historiadores coinciden en que fue por esta época cuando ya se advierte esa famosa "caída" del imperio romano, esa decadencia imparable hacia la destrucción: Cómmodo dilapidando el tesoro público; al no haber dinero se quería conseguir, entre otros métodos, vendiendo cargos públicos/políticos, algo impensable hasta ese momento, y los cargos comenzaron a comprarse; y el aspirante al trono de turno, compraba al ejército y a la guardia pretoriana (guardia personal del emperador) para conseguir el puesto, con lo que se estableció que a partir de ese momento fuese el ejército el que, o bien imponía al emperador o bien daba su aprobación (sextercios por medio). Aunque esta "costumbre" no se originó aquí, ya que comenzó con la subida al trono de Claudio, de la dinastía Julio-Claudia, que fue impuesto como emperador por unos soldados (2), el caos era tal por la época de Cómmodo, a la que se añade una peste venida de Oriente que provocó estragos en toda Italia incluso en la ciudad de Roma, que la decadencia de la civilización romana fue en aumento hasta su final en el 476 d. C. con la caída del Imperio romano de Occidente (en Oriente duró hasta 1453 d.C.).


Nota:
(1) Lucio Vero y Marco Aurelio fueron adoptados por el anterior emperador, Antonino Pio. Lucio Vero murió de apoplejía el 169 d. C.; Marco Aurelio murió de una enfermedad el 17 de marzo del 180 d. C.; en el 182 d.C. Lucila conspiró contra su hermano, cuando este era ya emperador, y fue exiliada a Capri, donde más tarde se le dió muerte; Cómmodo murió el 31 de diciembre del 192 d. C. de la forma descrita. ( Historia de Roma - Tomo II: El Imperio Romano; Jose Manuel Roldán, Jose María Blázquez, Arcadio del Castillo; Edición Cátedra, 1990).

(2) Los soldados encontraron a Claudio escondido detrás de una cortina, asustado porque habían acabado de asesinar al emperador Calígula, su sobrino. Claudio tenía algunas taras físicas y se decía que era imbécil, pero está comprobado que tenía gran inteligencia, conquistó Britannia y curiosamente ha quedado como un buen emperador, aunque su relación con el Senado no parece que fuese buena. Su mujer, la emperatriz, la famosa casquivana Mesalina fue ejecutada por sus adulterios. Su segunda mujer, Agripina, era la madre de Nerón, que fue el siguiente emperador. La demencial serie de televisión de la BBC Yo Claudio (1976) adaptación de la novela de Robert Graves, recrea la vida de estos primeros emperadores romanos, pertenecientes a la dinastía Julio-Claudia.

DVD

Divisa, edición especial para la revista Tiempo. Formato: ?. Sonido: dolby stereo 2.0. Versión original y versión doblada y subtítulos al castellano. Este dvd que se comenta está descatalogado y no es nada recomendable, desconozco este formato de video que es una especie de compresión extraña y además los subtítulos están descentrados. La versión en blu-ray, también de Divisa, es mucho más espectacular con lo que se disfruta más.














Tombuctú (Timbuktu) 1959

En el Sudán francés, los rebeldes sudaneses liderados por el emir Bhaki quieren la independencia. El coronel Charles Dufort (George Dolenz) de la Legión extranjera francesa llega a su cuartel junto a su esposa Natalie Dufort (Yvonne De Carlo). El aventurero Mike Conway (Victor Mature) planea venderle armas a los rebeldes, pero en realidad quiere acabar con la rebelión y le indica sus intenciones al coronel.



El director Jacques Tourneur dirige este clásico menor ambientado en tierras del desierto, con cierto toque procolonialista criticando la rebelión indígena frente al benefactor invasor extranjero, que es como en esta película se retrata al colonialismo francés. Hay un lider religioso que tal como está ocurriendo hoy en día con el frente islámico, es protagonista esencial, sólo que aquí ocurre al contrario que en la actualidad: se pone de lado del invasor extranjero, Francia, y quiere la paz. El protagonista es un sin par Victor Mature, con sombrero impecable y camisa almidonada que no se mancha jamás. Junto a él, la guapa Yvonne De Carlo, que fue muy habitual del género llamado Arabian Nights, que eran películas de aventuras y romances situadas en la antigua Arabia, pero que aquí solo coincide con el paisaje de dunas del desierto (en realidad Kanab, Utah, EE.UU.): es la mujer francesa del coronel francés, y junto a Victor Mature forman un triangulo amoroso algo atípico. Al coronel no parece importarle la atracción que surge entre su mujer y el aventurero, además la estimula para poder tener información de él sin que aparentemente le importe hasta donde lleguen los dos en sus relaciones.



Hay algunas escenas bien hechas de torturas con tarántulas. La película en general es algo tonta, no muy creíble la verdad, donde el buscavidas interpretado por Victor Mature campa por el desierto como Pedro por su casa, de un lado a otro, casi todo le sale bien, pero de todas formas la historia se deja ver. Jacques Tourneur es conocido por los amantes del género fantástico por el ciclo de terror de Val Lewton para RKO, y en el cual dirigió tres películas: La mujer pantera (1942), Yo anduve con un zombie (1943) y El hombre leopardo (1943). Sin retringuirse al terror diriguió dramas, cine noir y westerns. También repitió en el fantástico en 1957 con la lograda 'La noche del demonio' (1957).

Como se ha mencionado, se rodó en Kanab, Utah, en EE.UU., lugar que ha servido también de rodaje de algunos westerns como 'El oro de Mackenna' (1969) de J. Lee Thompson, 'El fuera de la ley' (1976) de Clint Eastwood o series de televisión como El llanero solitario (1949–1957). 'Asesino invisible' (1977) de Elliot Silverstein, sobre un misterioso coche negro que atropella a la gente también se rodó en parte allí. Silverstein fue el director de la exitosa 'Un hombre llamado Caballo' (1970) que contaba la vida de un lord inglés (Richard Harris) que era secuestrado por los indios Sioux y que originó dos continuaciones aunque ninguna de ellas dirigidas por Silverstein: 'La venganza de un hombre llamado Caballo' (1976) de Irvin Kershner y 'El triunfo de un hombre llamado Caballo' (1983) de John Hough, protagonizadas ambas también por Richard Harris.
Duración aproximada: 91 minutos.

Safari 3000 (1982)

Se celebra un rally que va a cruzar Africa. Eddie Miles es un especialista de cine y conductor experimentado que busca un auto para conducirlo y conoce a J.J. Dalton, una periodista del Playboy que va a escribir un artículo para la revista sobre el rally, tiene un coche y busca un conductor que lo conduzca: se ponen de acuerdo y forman pareja para competir. Frente a ellos tienen corredores de todo el mundo, en especial el conde Lorenzo Borgia, que junto a su criado Feodor participa también en la carrera y pondrá trampas por el camino a Miles y al resto de los participantes en el rally.



Dirigida por Harry Hurwitz de forma convencional sin nada que destacar, una película de carreras de automóviles y algo de comedia, protagonizada por David Carradine, uno de los hijos de John Carradine [La mansión de Frankenstein (1944), La mansión de Drácula (1945)] y por Christopher Lee, que aquí es un maquiavélico personaje descendiente de los famosos Borgia italianos, y que en compañía de su criado Feodor forman una pareja casi como un estereotipo de personajes de dibujos animados, ya que ponen trampas por el camino, o lo intentan, y se les vuelve en su contra de una forma o de otra, parecen una especie de Pierre Nodoyuna y su perro Patán, famosas creaciones de dibujos animados de Hanna-Barbera de la serie de dibujos Los autos locos, que además estaba inspirada en la película 'La carrera del siglo' (1965) también de carreras de coches, que sin duda ha influido en esta que comentamos. Christopher Lee además se pasea toda la película con un casco que parece el de Darth Vader (?) de la Guerra de las Galaxias.



El criado del conde, Feodor, que es una especie de Igor, se monta una canción sobre un baduino cabrón (sic) que es un primor y de lo más extraño de la película. En ella no hay carreras espectaculares, más bien es el propio paisaje donde se rueda el que es importante, son escenarios naturales de Africa con verdaderos animales salvajes, que van conformando las anécdotas durante la duración del rally, o los nativos de los pueblos que cruzan. Es curioso que aquí el personaje de David Carradine en una de las charlas con su compañera de carreras, menciona una perversión sexual de su ex-mujer, y resulta chocante pues desgraciadamente el actor falleció en 2009, según parece, debido a uno de esos extraños juegos eróticos.
Safari 3000 (1982). Director: Harry Hurwitz. Intérpretes: David Carradine (Eddie Miles), Stockard Channing (J.J. Dalton), Christopher Lee (Count Borgia), Hamilton Camp (Feodor). Duración aproximada: 92 minutos.

El bazar de las sorpresas (The Shop Around the Corner) 1940

Alfred Kralik (James Stewart) es el empleado de una tienda de Budapest que siempre está peleandose con Klara (Margaret Sullavan) su compañera de trabajo. Desconocen que ambos están carteándose entre sí. La noche en que ambos se encontrarán por fín, su jefe (Frank Morgan) despide a Alfred porque cree que tiene una aventura con su mujer. No obstante Alfred decide acudir a la cita con Klara, pero cuando ve que es ella no le dice que se cartea con él y disimula.



Dirige Ernst Lubitsch en su etapa americana, director alemán -nacionalizado norteamericano en 1933- que se dió a conocer al mundo durante el cine mudo alemán con importantes películas históricas, dramas y comedias. En esta ocasión adapta la obra de teatro del húngaro Miklos Laszlo, nos encontramos ante una comedia romántica ambientada en Budapest en épocas navideñas, con el protagonismo de un gran actor como fue James Stewart, de importantes contribuciones al cine clásico de Hollywood de la edad de oro, grandes películas como la navideña '¡Qué bello es vivir!' (1946) de Frank Capra o 'El invisible Harvey' (1950) de Henry Koster. Lubitsch dirige bien sin problemas, hay diálogos y situaciones diversas que hace posible que la historia tenga cierta enjundia, pues invariablemente casi todo se desarrolla en la tienda. Frank Morgan, que fue el mago, el Profesor Marvel y otros personajes, en el clásico musical 'El mago de Oz' (1939) de Victor Fleming, es el amable dueño de la tienda.
En 1998 se hizo un remake protagonizado por Tom Hanks y Meg Ryan llamado 'Tienes un email' dirigido por Nora Ephron, que si la memoria no me engaña no tiene mucho que ver con esta película, sólo la relación escrita. Duración aproximada: 99 minutos.

Our Song (2000)

Tres jóvenes tienen que dejar el instituto hasta que esté limpio de amianto. Mientras tanto, viven sus vidas de adolescentes en la ciudad de Nueva York.



De Jim McKay, una película presentada en el Festival de Cine de Sundance y que básicamente termina como empieza: un retrato cotidiano de tres adolescentes y su vida en un barrio de Brooklyn: trabajan si pueden, una de ellas se queda embarazada, y las tres tocan en la banda del instituto. Queda cierta añoranza después de verla, porque es un retrato de tan cotidiano y bien interpretado por todos, de forma muy natural, que uno piensa qué será de la vida de esas tres jóvenes. No es un cine para todos, que quede claro, no ocurre nada que no sea cotidiano y normal, en ocasiones alcanza un logrado tono documental.



Kerry Washington, Melissa Martinez y Anna Simpson son las tres protagonistas. De ellas, puede que sea Kerry Washington la más conocida, actualmente protagonista de una serie de televisión situada en el mundo de la política y los negocios desde la Casa Blanca, 'Scandal' (2012- ), que ha tenido bastante éxito. Melissa Martinez saldría en 'El sustituto' (1996), de Robert Mandel, con Tom Berenger como un mercenario que se hace pasar por profesor en un conflictivo colegio de barrio. Y Anna Simpson, en la vida real madre adolescente originaria de un conflictivo barrio de Queens, también canta. Hannah Weyer, directora y escritora nortemaericana, escribió un libro inspirado en su vida, On The Come Up. En este enlace externo Young Girl, Going Places hay más información sobre el libro, la escritora, y Anna Simpson. Duración aproximada: 95 minutos.

Saratoga (1937)

Duke Bradle y Frank Clayton son amigos, pero este le debe un dinero y como no tiene dinero se lo paga con la escritura de su casa. Cuando Frank muere su hija habla con Duke sobre el título de propiedad de la casa, y acuerdan que será ella, que se va a casar con un millonario, quien le pagará la deuda, lo que dará a lugar a una serie de enredos y situaciones inesperadas.

Jack Conway dirige para Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), estudio donde haría la mayor parte de su carrera, en este caso dirigiendo a la estelar pareja Clark Gable y Jean Harlow, duo protagonista en esta comedia de enredos con el ambiente de las carreras de caballos de fondo, con todos los clichés y enredos típicos de unas situaciones de desencuentros amorosos que finalmente ya sabemos como acabará. Seguramente la película más famosa de Conway fuese 'Historia de dos ciudades' (1935). Junto a ellos sale brevemente George Zucco, intérprete en muchos clásicos del terror para estudios como Universal, Monogram o PRC, en este caso está haciendo de doctor, en un papel cómico. Lionel Barrymore, casi toda su vida en MGM, con Tod Browning haría 'La marca del vampiro' (1935) junto a Bela Lugosi (que en este año de 1937 sería Boroff en el serial de Republic Pictures 'SOS Coast Guard') o 'Muñecos infernales' (1936) donde era un maquiavélico doctor con unos diminutos y diabólicos aliados, es aquí el abuelo de Jean Harlow y que quiere tener un semental.

Es justo mencionar a Hattie McDaniel, actriz de color muy popular en la época, solía hacer de criada, con un caracter bonachón y algo chistoso, que actualmente es considerado denigrante para la gente de color, ocurre lo mismo con la carrera de todos los actores de color que eran famosos y populares por aquel entonces como pasa con otro cómico de color, Mantan Moreland, cuya característica principal como cómico era el de estar asustado, lo que hoy se considera humillante y vejatorio por todo lo que implica de racismo, pero en aquella época era lo habitual para los afroamericanos ser retratados así, inocentones, supersticiosos y asustadizos, que era lo que hacía gracia, los que tenían la suerte de poder trabajar en algún papel medianamente relevante como McDaniel o Moreland. Hattie McDaniel fue además la primera actriz de color que recibió un Oscar por su papel de criada en la oscarizada 'Lo que el viento se llevó' (1939) de Victor Fleming y donde claro está, estaba Clark Gable de nuevo para el estudio del león, que fue su estrella principal durante mucho tiempo. Referente a Jean Harlow, una de las grandes estrellas de la época y actriz de MGM, desgraciadamente esta fue su última película pues moriría poco después por problemas renales.

Saratoga (1937). Director: Jack Conway. Intérpretes: Clark Gable (Duke Bradley), Jean Harlow (Carol Clayton), Lionel Barrymore (Grandpa Clayton), Frank Morgan (Jesse Kiffmeyer). Duración aproximada: 92 minutos.

El hombre del tiempo (The Weather Man) 2005

El hombre que da el parte del tiempo en un canal de televisión está divorciado, con dos hijos y con un padre enfermo y desahuciado por los médicos. Un día le ofrecen un trabajo en un canal de Nueva York.



Gore Verbinski dirige sin muchos problemas esta comedia dramática simple y convencional, con diálogos pueriles de andar por casa bañada de una buena fotografía con lo que la historia se ve con algo más de interés. Gore Verbinski venía del mundo de la publicidad y en su carrera cinematográfica, entre otras, realizó 'The Ring' (2002) remake de la película de Hideo Nakata. Es un director funcional que da taquilla. Nicolas Cage, ganador de un oscar por su papel de alcohólico en 'Leaving Las Vegas' (1995) de Mike Figgis, está aquí en horas bajas, ni es una gran comedia ni es nada más que un mero trámite sobre todo para Cage, con su personaje cansado y desilusionado, parece él mismo. Su carrera es algo dispersa, con películas en general sin mucho que destacar y otras de género o extrañas en las que es raro verlo ahí aunque él actuando en su estilo habitual.

Curiosamente antes de hacer esta había hecho quizás la que es más destacable de sus últimos tiempos, 'El señor de la guerra' (2005) la terrible historia de un traficante de armas en el tercer mundo. Pasar de una de muertes y sangre de corte tan realista a esta comedia costumbrista que se comenta, parece un cambio demasiado grande pero que se ha convertido en habitual en la carrera de Nicolas Cage: de un drama a una comedia o a una fantástica, es habitual verlo en cualquier tipo de géneros, por supuesto no siempre bien y hay más de los peor que de lo bueno, aunque lo peor también da taquilla.
En 'Ghost Rider. El motorista fantasma' (2007) de Mark Steven Johnson es el motorista en llamas en una producción tristemente desilusionante y Cage sin duda no era el actor idóneo para el papel, y aunque la culpa no es sólo suya, aún así tuvo una segunda parte; en 'La búsqueda 2: El diario secreto' (2007) de Jon Turteltaub, Nicolas Cage es un buscador de tesoros que quiere demostrar la inocencia de su abuelo al que acusan de querer asesinar a Abraham Lincoln, ni más ni menos, misterio en el que se verá envuelto además del actual presidente de EE.UU. los secretos que oculta la misma Casa Blanca. Todo muy masón y con un reparto que asusta, Jon Voight y Harvey Keitel en una loa al absurdo como lo fue la primera entrega, con mismo reparto y equipo, donde veíamos al sin par Cage buscando un tesoro Templario relacionado con los padres fundadores de EE.UU. Películas olvidables y para pasar el rato, sin más; 'Señales del futuro' (2009) de Alex Proyas es otra inverosímil historia sin mucho interés sobre fechas que anuncian desastres futuros, en fin, más de lo mismo de ocultismo fácil y comercial.
'El aprendiz de brujo' (2010) de Jon Turteltaub vuelve al ocultismo y la fantasía esta vez con el mago Merlín y la bruja Morgana de por medio, en las que ver a Nicolas Cage como aprendiz de Merlín puede ser divertido al comprobar cómo este hombre no tiene reparos en hacer una carrera de cosas tan contradictorias entre sí. 'En tiempo de brujas' (2011) de Dominic Sena, es un guerrero que debe custodiar a una acusada de bruja y de la que no cree que lo sea. Lejos de la fantasía más lúdica está ambientada en una Edad Media realista sin mucha necesidad de efectos especiales pero lógicamente los hay en el aspecto mágico, afortunadamente es una película más sobria y es algo mejor de lo que podría aparentar. Nicolas Cage, actor todo terreno, sin duda.

Michael Caine y Hope Davis acompañan a Cage en su vida de hombre del tiempo, padre y ex esposa respectívamente, cumplen también con su obligación de hacer su papel. La carrera de Michael Caine es tan amplia que es imposible comentarla en este espacio, desde luego hay que remontarse mucho en el tiempo para encontrar las películas importantes de su carrera que le dieron valía como gran actor, por ejemplo Asesino implacable (1971) de Mike Hodges, o 'La huella' (1972) de Joseph L. Mankiewicz, porque su última etapa no es de lo mejor, con películas comerciales y fáciles de vender, como esta. Duración aproximada: 102 minutos.

Los jóvenes salvajes (The Young Savages) 1961

Unos jóvenes italianos apuñalan y matan a un joven ciego puertorriqueño en lo que parece una lucha entre bandas rivales. El ayudante del fiscal (Burt Lancaster) es el encargado de acusar a los causantes del hecho, y su intención es condenarlos a muerte. En su investigación comenzará a descubrir que no todo es lo que parece.



Adaptación de la novela de Evan Hunter A Matter of Conviction. John Frankenheimer, que venía de la televisión, debutó en el cine con esta brillante película de delincuencia y corte judicial. Precisamente con Burt Lancaster hizo otras películas a cada cual mejor en su estilo: 'El hombre de Alcatraz' (1962), que cuenta la vida de un preso que se dedica a la ornitología; 'Siete días de mayo' (1964) contaba un golpe de Estado en EE.UU. durante la guerra fría, y 'El tren' (1964) los problemas de conciencia de un maquinista de tren francés que se dirige a Alemania con un tren cargado de obras de arte robadas por los nazis. En todas, Burt Lancaster excepcional. Frankenheimer también dirigió otras de corte más fantástico: la extraña 'Plan diabólico' (1966) con un Rock Hudson que cambia de rostro y cuerpo para empezar una nueva vida y Profecía maldita (1979) sobre una contaminación ambiental que produce animales mutantes.

En esta que nos ocupa, la brillante historia se completa con unos personajes bien tratados, el mundo pandillero se nos muestra crudo y violento, como esperamos que sea; las pesquisas del ayudante del fiscal, Lancaster, estan llevadas de forma inteligente y con sentido; el juicio completa de forma estupenda la calidad mantenida hasta entonces, hay sorpresas y emociones. Una de las mejores películas de corte judicial, con poca moralina y sí retratando la realidad de los barrios bajos de manera cruda y valiente.



En el reparto, caras conocidas como Telly Savalas, que sería el famoso detective Kojac que chupaba un chupachup en la serie de televisión que duró de 1973 a 1978; o soldado en dos memorables películas bélicas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial, pero ambas de contenido muy diferente: en 'Doce del patíbulo' (1967) de Robert Aldrich, era un soldado psicópata que odiaba a las mujeres y alistaban a la fuerza en una misión suicida; y en la satírica 'Los violentos de Kelly' (1970) de Brian G. Hutton, es un sargento que se preocupa de sus soldados, pero unos lingotes de oro depositados en un banco alemán que pretende robar un taimado Clint Eastwood con ayuda de medio ejército puede poner en peligro la vida de sus soldados, incluso la suya. En 'Los jóvenes salvajes' es un policía veterano que está de vueltas de todo y no confía en esos muchachos marginales. Aunque secundario, su papel tiene relevancia.

Junto a ellos, Shelley Winters ['La noche del cazador' (1955), 'La habitación maldita' (1969)] o Tentáculos (1977)] , madre de uno de los jóvenes arrestados y antigua novia del ayudante del fiscal, hace un buen trabajo dramático, como todo el reparto. La fotografía en blanco y negro de Lionel Lindon es, igualmente, brillante. Duración aproximada: 103 minutos.

Semilla de maldad (Blackboard Jungle) 1955

Richard Dadier (Glenn Ford) es un veterano de la Segunda Guerra Mundial y profesor que da clases en una conflictiva escuela. Lo alumnos no acatan órdenes y son indisciplinados y violentos, delincuentes que tienen un pie en la carcel. Pero Dadier intenta que aprendan.



Richard Brooks dirige esta interesante y dramática película sobre lo difícil que es enseñar cuando los alumnos no admiten ninguna autoridad. La película es violenta y dura, tanto dentro del contexto de la escuela como fuera de ella. Por raro que parezca no se ha quedado anticuada pues raramente todo tiene un aire bastante moderno, que podría pasar hoy en día, y eso que se rodó en la década de los 50. La fotografía es muy buena al igual que la historia. No estamos ante un profesor violento, que aunque sea un veterano de la Segunda Guerra Mundial no influye en absoluto sobre la trama ni en su labor de profesor: es un profesor que quiere enseñar y educar a estos alumnos que no se dejan.



Protagoniza Glenn Ford, un gran actor del Hollywood clásico, que trabajaría con Fritz Lang en dos obras maestras del cine negro como fueron Los sobornados (1953) y Deseos humanos (1954), aunque seguramente sea 'Gilda' (1946) de Charles Vidor junto a Rita Hayworth la que quizás sea la más famosa de su carrera, sobre todo por el sobrevalorado striptease de su protagonista, Rita Hayworth, y una bofetada que le da Gleen Ford, pero pienso que es una frivolidad y una equivocación encumbrarla por encima de otras pues tiene películas mucho mejores, como por ejemplo las de Fritz Lang.



Entre el reparto también nos encontramos con Sidney Poitier, actor de color que hace de uno de los díscolos alumnos del profesor y será un actor que iría haciéndose muy popular entre el público. Años después cambiaría de registro, porque esa vez le tocaría a él ser profesor en una conflictiva escuela y tenía que lidiar con alumnos blancos en la película británica 'Rebelión en las aulas' (1967) de James Clavell, que curiosamente pienso que se ha quedado más anticuada que esta que comentamos, aun siendo algo más moderna en el tiempo y a color.
Este tema del profesor que tiene que dar clases en una conflictiva escuela ha seguido siendo muy recurrente en los tiempos más contemporáneos, alejándose bastante de los clásicos, y la mayoría de las veces de forma totalmente opuesta. La más violenta sea quizás 'Curso 1984' (1982) de Mark L. Lester [Ojos de fuego (1984)] ultraviolencia al servicio de alumnos macarras, liderados por un violento Timothy Van Patten, y un profesorado desfuncional, entre otros Perry King y Roddy McDowall. Por nombrar alguna película más de estas características tenemos la protagonizada por Tom Berenger 'El sustituto' (1996) de Robert Mandel, donde Berenger, en uno de sus habituales papeles de exmarine, se hace pasar por profesor para vengarse de quien ha atacado a su novia (Diane Venora) profesora de la escuela. Hay muchas más sobre el mismo tema que es inútil nombrarlas todas, en general las diferencias están en los detalles.



Siguiendo con el reparto de 'Semilla de maldad', mencionar un desafortunado actor que es uno de los díscolos alumnos, Vic Morrow, que moriría rodando En los límites de la realidad (1983) película de episodios dirigidos por cuatro diferentes directores: Joe Dante, John Landis, George Miller y Steven Spielberg, siendo el que dirigía John Landis sobre el Vietnam el episodio problemático y donde por desgracia moriría no sólo Vic Morrow, a consecuencia de una hélice de un helicóptero que se estrella, sino también dos de los niños actores que Morrow llevaba en brazos.

Por último, Anne Francis [Planeta prohibido (1956)], es la mujer embarazada del profesor y como él se ve metida en este violento mundo pandillero. El director, Richard Brooks, tiene en su haber buenos melodramas como La gata sobre el tejado de zinc (1958) o 'Dulce pájaro de juventud' (1962), ambas con el actor Paul Newman, y en el cine negro la excelente adaptación de la novela de Truman Capote A sangre fría realizada en 1967 por Richard Brooks. Duración aproximada: 101 minutos.

Movida del 76 (Dazed and Confused) 1993

Un grupo de jóvenes de instituto pasean, hablan, sufren novatadas, hacen amigos y se divierten en 1976.



Richard Linklater (1) dirige esta película que recrea los momentos de diversión y ocio de los jóvenes de 1976, que no se diferencian en mucho de lo que hoy en día se podría hacer, alcohol, canutos, solo que cambia la época y los modos de vestir y hablar. Es todo un elenco coral de jóvenes de la cantera de Hollywood que sería muy largo describir, pero entre ellos como más destacables Jason London [Jasón y los argonautas (2000)] sería el protagonista siendo un estudiante con aptitudes para el deporte, Matthew McConaughey como un graduado que vuelve para estar con sus amigos y ligar, o Ben Affleck que hace un papel de bruto algo desequilibrado que lo diferencia del resto que son bastantes normales. Una jovencita Milla Jovovich aparece por ahí.
Creo que es una estupenda recreación de la época porque da la impresión además de estar hecha en los años 70, la ropa, los peinados y la música nos llevan allí. No hay nada trascendental ni épico, sólo retratos cotidianos de una época. El colegueo, los ligues, el sexo, todo está retratado aquí de una forma un tanto perfecta. Lo más parecido a ella, aunque mas light, sería 'American Graffiti' (1973) de George Lucas, que en ese caso recreaba las costumbres de la juventud de los años 60.
La BSO está repleta de sonidos de rock de los setenta, como Ted Nugent o Black Sabbath. Por cierto, la caratula del dvd no la beneficia mucho da impresión de ser otra cosa. Duración aproximada: 102 minutos.


Nota (1): director acostumbrado a rodar películas juveniles, hizo 'Escuela de rock' (2003), mejor película de lo que podría parecer, pero que en España se la cargó el doblaje al poner como voz principal del protagonista, Jack Black, a Dani Martín, cantante y ex del insufrible grupo de pop El canto del loco. Al no saber nada de doblaje se cargó la película porque es imposible oirlo un minuto siquiera, y fue puesto por razones obvias de oportunismo comercial al ser en ese momento muy popular. Y para colmo un cantante pop que nada sabe de rock y mucho menos el que podría sonar en esa película o la que nos ocupa.

Lost in Traslation (2003)

Un actor (Bill Murray) va a Tokio, Japón, a rodar un anuncio publicitario de whisky. El choque con la vida y costumbres japonesas es muy fuerte y además el desfase horario le impide dormir. Una noche conoce a una joven norteamericana (Scarlett Johansson) con la que hará amistad.



Segunda película de Sofia Coppola, hija del director de cine Francis Ford Coppola [El padrino (1972), Apocalypse Now (1979)]. Es una coproducción EE.UU y Japón que es una película simpática que tiende a la comedia pero no es que sea ni comedia ni drama, aunque con Bill Murray siempre hay situaciones de enredo intencionadas, sino que simplemente muestra un viaje a una cultura tan diferente de la occidental como es la japonesa y hay situaciones o extrañas o divertidas. Bill Murray con su chispa habitual, demostrando saber lo que hace pues es un actor que suele hacerlo bien. La vida en Tokio, cómo se divierten los japoneses que al fin y al cabo no es diferente de la nuestra, la cortesía tan tremenda que tienen los nipones, y más cosas que se intentan mostrar en esta película. Está bien.

A Bill Murray le acompaña una joven Scarlett Johansson que está bien en su papel. La película recibió un Oscar al mejor guión original. Sofia Coppola dirigiría en 2005 'María Antonieta', con un gran realismo y con una gran recreación de la época con la que también ganó un Oscar, protagonizada por Kirsten Dunst como la famosa amante del rey francés. Kirsten Dunst fue una de las protagonistas de la Opera prima de Sofia Coppola, 'Las vírgenes suicidas' (1999), sobre unas adolescentes que se suicidan. Duración aproximada: 101 minutos.

Trabajo basura (Office Space) 1999

Un informático (Ron Livingston) que trabaja para Initech, está harto de su trabajo y decide hacer todo lo que pueda para que le despidan, pero lo que logra en cambio es que lo asciendan. Sigue tan cansado de su trabajo que piensa en robar a la compañia con la ayuda de unos compañeros de trabajo.



Comedia de Mike Judge que en general es mala y aburrida. Es raro que una comedia salga tan mala, pero en este caso así es. Protagonizada por Ron Livingston, protagonista a su vez de uno de los episodios en que se componía Historias de medianoche, está bastante soseras y no sabe reaccionar ni por tanto mostrar reacciones, "este soy yo tal cual y debeis aceptarlo y aplaudirme", supongo pensaría. El resto del reparto es igual de intrascendente y olvidable, a pesar de alguna cara muy conocida, como la de Jennifer Aniston, chica mona que está para rellenar. Stephen Root como el empleado algo retrasado produce algo de gracia, que termina siendo pesado, como todo, porque la historia no tiene emoción de ninguna clase. John C. McGinley [la bélica 'Platoon' (1986)] normalmente buen actor su papel es una ridiculez, tan olvidable como el de Gary Cole [la de acción 'En la línea de fuego' (1993)] que simplemente está.

Hay que aguantar a ver si hay algo ocurrente [la única idea original es la del vendedor adicto al crack (Orlando Jones) que dura un pestañeo] y de nuevo Stephen Root al final con la tonadilla de la grapadora y las escenas en Hawai. Sin diversión, sin ideas y anodina. Lo mejor que ha hecho el director Mike Judge (el cual es también actor, escritor o productor) es crear la serie de animación para la televisión de dos heavys Beavis y Butt-Head (1993–2011) y la dirección de la correspondiente película de animación de los dos recorriendo norteamérica 'Beavis y Butt-Head recorren América' (1996). Esta que nos ocupa también está basada en una serie de animación llamada Milton, igualmente creación de Mike Judge. Duración aproximada: 89 minutos.

Mejor solo que mal acompañado (Planes, Trains & Automobiles) 1987

Neal Page (Steve Martin) intenta llegar a casa para pasar el día de Acción de gracias, pero no podrá debido al mal tiempo y el difícil regreso lo hará acompañado de Del Griffith (John Candy), un vendedor de aros de cortinas de baño que no parece la compañía más indicada para él, que tiene gustos más finos y elegantes.



Divertidísima comedia dirigida por John Hughes, protagonizada por dos grandes cómicos: Steve Martin y John Candy. Ambos llevan el peso de esta película, uno soportando las meteduras de pata del otro, complicándose el viaje de regreso en hilarantes y absurdas situaciones imposibles de predecir. Hay muchos gags para recordar que son desternillantes y en verdad no tienen desperdicio alguno. Es una de las mejores películas de Steve Martin, y para este que escribe es la mejor junto a 'Bowfinger, el pícaro' (1999) de Frank Oz (1), donde Steve Martin interpreta a un director de cine de serie B que quiere a un famoso en su película (Eddie Murphy) pero que al no poderlo contratar, contrata a un doble suyo que es un poco lento de entendederas (el mismo Eddie Murphy en un doble papel) produciendo divertidos enredos.

En cambio, John Candy fue un actor desafortunado que murió joven, en 1994, tras un ataque al corazón, y que dejó tras de sí buenas y divertidas películas cómicas, 'El pelotón chiflado' (1981) de Ivan Reitman, donde estaba Bill Murray, 'La loca historia de las galaxias' (1987) de Mel Brooks, parodia de 'La guerra de las galaxias (1977) de George Lucas, o 'Solos con nuestro tío' (1989), también de John Hughes, y donde Candy era tío de unos sobrinos a los que tiene que cuidar mientras su madre está ausente.



Ambos actores se complementan perfectamente en esta road movie cómica. John Hughes, escritor y director, escribe también lo que dirige, y tiene algunos clásicos ochenteros como 'La mujer explosiva' (1985) seguramente la más famosa de las que dirigió, con la, valga la redundancia, explosiva Kelly LeBrock, y 'Todo en un día' (1986) con Matthew Broderick como un adolescente caradura y que es una de las más logradas del actor. Como guionista, éxitos como 'Solo en casa' (1990) con el precoz Macaulay Culkin, avalan una más que reconocida trayectoria en la comedia. Duración aproximada: 93 minutos.


Nota (1): Frank Oz es un artista polifacético, desde marionetista a director de cine. Movía y daba voz, en la versión original en inglés, a varios de los muñecos de los famosos Teleñecos, como fueron la cerdita Peggy o el monstruo de las galletas. También movía y era la voz de Yoda, en su versión inglés, en 'El imperio contraataca' (1980) y 'El retorno del Jedi' (1983). Como director, dirigió a Steve Martin en varias películas como el remake 'La tienda de los horrores' (1986), 'Un par de seductores' (1988) junto a Michael Caine, o la mencionada 'Bowfinger, el pícaro' (1999). En la dirección debutó codirigiendo, junto a Jim Henson, creador de Los Teleñecos, la fantasía 'Cristal oscuro' (1982); en 'La llave mágica' (1995) volvió, esta vez en solitario, a mostrar un mundo de fantasía, y en Las mujeres perfectas (2004) dirige una adaptación de la historia de ciencia ficción de Ira Levin.

De aquí a la eternidad (From Here to Eternity) 1953

El soldado Prewitt (Montgomery Clift) llega a su nuevo destino a un cuartel del ejército en Hawái. Además de soldado es también músico, toca...